Buster Keaton, el lado serio de la comedia.

Pues aquí estoy otra vez; he decidido tomarme un descanso en plena época de agobio estudiantil.
Desde hacía tiempo venía con la intención de dedicarle un espacio de gloria a este genio de la comedia. A parte de merecérselo e independientemente de que sea uno de mis cineastas favoritos, creo que también es conveniente que salgáis del bucle "Chaplin" y le deis una oportunidad al cine mudo. No vengo a contaros su vida (que también), sino a ofreceros la información más curiosa.

Buster Keaton fue un actor, director y guionista estadounidense reconocido a partir de los años 20. Como muchos ya sabrán, en España era conocido como "Cara de palo" o "Pamplinas", mientras que su nombre artístico "Buster" surgió de un comentario que hizo Houdini al verlo caer inexpresivamente por una escalera a la edad de tres años. Como podréis observar en todas sus películas, Keaton se caracterizó principalmente por realizar gags cómicos y arriesgados, a la vez que mantenía un rostro impasible; jamás se reía delante de una cámara.

Cartel publicitario de los
espectáculos de la familia Keaton.
Click para aumentar

Con tan sólo 4 años empezó a trabajar como comediante de espectáculos junto a sus padres. No asistió nunca al colegio, por lo que, en ocasiones, surgían problemas vinculados a la violación de la ley de explotación del menor de aquel entonces. Sus padres eran una especie de feriantes que se ganaban la vida realizando pequeños espectáculos cómicos, por lo que no dudaron ni un momento en introducir a Buster en sus shows habituales.

Estudio de Buster Keaton,
Hollywood, California.

No fue hasta los 21 años cuando Keaton se introdujo en el mundo del cine gracias a un actor que, posteriormente, se convertiría en uno de sus mejores amigos por aquel entonces: Roscoe Arbuckle. Comenzó haciendo papeles de poca importancia, pero tres películas después se convirtió en asistente de dirección. Después de realizar un total de 12 películas con Arbuckle, Buster se fue a la guerra. Sin embargo, en 1919 volvió a California y compró el antiguo estudio de grabación de Charles Chaplin.

Día de apertura del estudio de Buster Keaton en enero de 1920

La primera película dirigida por Buster Keaton fue The High Sing (El Guardaespaldas, 1921). Sin embargo, Keaton rechazó la película porque no le terminaba de gustar. Como consecuencia, cerró el estudio. Su primera película en Hollywood fue One Week (1920), la cual estaba inspirada en un documental y, por aquel entonces, obtuvo gran éxito.

De las infinitas películas que llegó a protagonizar Buster Keaton, creo que es conveniente citar las más relevantes. The Playhouse (El Gran Espectáculo, 1921) fue un cortometraje donde se adentró a introducir diferentes imágenes superpuestas en un mismo plano, llegando a aparecer hasta 9 veces de manera simultánea.

Buster Keaton después del accidente
en The Electric House

Sin embargo, no podemos obviar que Keaton era una persona muy terca y bastante perfeccionista. Jamás estuvo conforme con que un doble le sustituyera en aquellos gags más atrevidos, por lo que esto le ocasionó varios accidentes a lo largo de su carrera cinematográfica. En la película The Electric House (La Casa Encantada, 1922) Buster se torció el tobillo mientras realizaba un gag en el que subía por unas escaleras mecánicas, causándole una fractura. Como consecuencia, se paró el rodaje y aprovechó para casarse con la que fue su primera mujer, Natalie Talmadge.

Al año siguiente, Buster tuvo un accidente que por poco le quita la vida. La película que estaba rodando en esos momentos, Our Hospitality, estaba protagonizada por él y su mujer. En principio, Keaton sólo quería que apareciese su hijo, pero Natalie se negó rotundamente. Así que Buster le ofreció a su mujer el papel femenino protagonista y, mágicamente, cambió de opinión.

Todo iba bien hasta que comenzaron a grabar una escena donde Buster, sujetado por un cable, era arrastrado por el agua de unos rápidos. De repente la cuerda se rompió y el equipo de producción no tuvo la oportunidad de salvarlo hasta pasados unos cuantos minutos. Milagrosamente, Keaton se intentó agarrar a todo lo que pudo y salió ileso de aquel imprevisto, eso sí, con un poco más de agua dentro de su organismo.

En ese mismo año, otra película le ocasionó graves lesiones. Three Ages (Las tres edades, 1923) fue su primer largometraje en el cine. En una de las escenas de la película, Keaton tenía que saltar de un edificio a otro. Las consecuencias fueron fatales, provocándole una caída desde más de tres pisos de altura.

En el año 1924 Keaton se adentró en el mundo de Sherlock Holmes para dar vida a un personaje que investigaba un robo. Sherlock Jr. (El Moderno Sherlock Holmes) fue una película de gran éxito, recaudando más de medio millón de dólares; fue la primera película de la historia que realizó un salto de pantalla. Sin embargo, los críticos decían que carecía de originalidad e ingenio. En una de las escenas, Buster se agarra a la boca de una cisterna de agua mientras está subido a un tren en marcha. La fuerza del agua no estaba prevista, y esto le hizo caer y golpearse con las vías del tren. A corto plazo el accidente no tuvo consecuencias y el rodaje sólo se pospuso tres días. Sin embargo, doce años después Keaton acudió a una revisión médica y le comunicaron que tenía el cuello roto debido al golpe que le ocasionó la caída contra las vías.

Cámara preparada para rodar debajo del agua la
escena de The Navigator (1924)

En ese mismo año, Keaton rescató un barco por 25.000 dólares. Con esta oportunidad, se llevó a cabo una de sus producciones más exitosas, The Navigator (El Navegante). Buster, tan terco como siempre, quiso grabar una de las escenas bajo el agua. Rodar esa única escena, la cual tiene una duración de pocos minutos dentro del largometraje, llevó más de un mes; el agua del lago era tan fría que no se podía filmar más de media hora seguida. Debido a esto y las dificultades técnicas de la cámara, la cual tuvieron que meter en una caja llena de hielo para que no se empañara, fue casi misión imposible terminar la película. Sin embargo, el esfuerzo mereció la pena y Buster ya era comparado con grandes cómicos de la época, como Chaplin o Lloyd.

Buster Keaton y parte de su
equipo después de apagar
el fuego

Pero, sin duda alguna, la película con la que Keaton se sintió más satisfecho fue The General (El Maquinista de la General), del año 1926. En ella, Buster se encargó de recrear perfectamente la ciudad y utilizaron un cañón real de la Guerra Civil. Se filmó en Culp Creek, donde se construyó un verdadero puente ferroviario para la película. Keaton mandó construir el puente sobre un río con el único propósito de destruirlo. Su idea era que el puente estallara en el momento en el que el tren pasara por encima, y así fue. El funcionamiento del puente se probó tan sólo un par de veces antes y cientos de personas acudieron a contemplar el fenómeno a pesar de la epidemia de sarampión que sacudía la zona. Después de la caída del puente, la película tenía que recrear la Guerra Civil con enfrentamientos, estallidos y disparos. En total hubo nueve heridos debido a las explosiones; de hecho, Buster fue alcanzado por una de ellas, se desmayó y perdió el conocimiento durante un tiempo. Para colmo, algunas chispas de la locomotora prendieron fuego al bosque. Buster Keaton enseguida se quitó su uniforme para apagar las llamas, pero no hubo otra opción; el rodaje se pospuso más de 6 semanas porque tenían que esperar a que el humo del incendio se disipara.

El año 1928 fue importante en la carrera de Keaton. Antes de ser cedido a la MGM, realizó una película llamada Steamboat Bill Jr. (El Héroe del Río). En ella, el actor se expuso a un gag bastante peligroso donde, un panel frontal de una tonelada que conformaba un edificio caía hacia delante sin que le tocara, pasando a través de un hueco que conformaba una ventana. Los gags de esta película fueron bastante dificultosos, llegando a maniobrar con los edificios de atrezzo casi por norma general.

The Cameraman fue la primera película en la que Keaton escribió un guión. El rodaje se llevó a cabo en Nueva York, lo que resultó difícil para él ya que, al ser una persona tímida y reservada, le incomodaba que la gente se aglomeraba en las calles para verle. Por lo tanto, las escenas se redujeron al máximo y todas las de exterior se rodaron los domingos a las cinco de la mañana.

Es aquí cuando la carrera de Buster Keaton comienza a decaer. Su matrimonio estaba realmente mal y, tras haber sido cedido a la MGM, no le dejaban asumir riesgos en la realización de sus gags. Inevitablemente, comenzó a beber.

En 1930 actúa en su primera película sonora, Free And Easy (Estrellados). Es curioso porque, en aquella época, las películas volvían a rodarse hasta cuatro o cinco veces en diferentes idiomas. La técnica del doblaje no estaba todavía muy presente y, como consecuencia, eran realizadas de la misma manera una y otra vez, cada vez en un idioma diferente. Normalmente, se hacían en inglés y, posteriormente, en español y alemán, llegando en algunas ocasiones al francés y al italiano. Por suerte, he encontrado un pequeño fragmento de la versión española donde podemos ver a un Buster Keaton hablando dificultosamente en castellano (a partir del minuto 01:20).

En el año 1932, Buster Keaton es emparejado con el cómico Jimmy Durante. En 1933, se casa con una enfermera llamada Mae Scribbens, a lo que Keaton añadió que no lo recordaba porque había bebido demasiado alcohol. Para colmo, Louis Mayer echó a Buster de los estudios de la MGM por su "mal comportamiento", ya que vivía en una camioneta dentro de los propios estudios donde llevaba a cabo numerosos juegos y fiestas. Antes de irse, Keaton, el cual ya había entrado en depresión debido a las imposiciones de la MGM y su fracaso matrimonial, le dijo a Mayer: "Has arruinado mi personaje".

Camioneta que Buster Keaton
utilizó para vivir dentro
de los estudios de la MGM

Dibujos animados basados
en el dúo cómico de Keaton
y Durante

Anuncio publicitario de la cerveza Simon Pure,
protagonizado por Buster Keaton

Después de estos incidentes, Keaton trabajó la mayor parte de su vida en Europa. Volvió a la MGM en una ocasión sólo para escribir gags, conoció a la que fue su última esposa -la bailarina Eleanor Norris-, hizo unos cuantos trabajos para la Columbia e incluso llegó a realizar algunas producciones publicitarias. La Paramount realizó una película sobre su vida, pero no fue muy aclamada ya que no reflejaba la realidad e insistían continuamente en su alcoholismo.

Buster Keaton junto con dos de los hermanos
Marx, Groucho y Chico

Trabajó con grandes artistas de la época como los hermanos Marx, , George Robey, Hettie King o Charles Chaplin; con éste último, en tan sólo una ocasión: Candilejas. Es curioso porque el famoso gag del camarote de los hermanos Marx en "Una Noche en la Ópera" fue escrito por Buster Keaton, el cual se inspiró en un gag que él mismo había realizado con anterioridad en el largometraje deThe Cameraman.

Gag perteneciente a The
Cameraman e inspirador
del gag del camarote de
los hermanos Marx

En el año 1960, Buster Keaton recibió un Oscar honorífico por toda su carrera. A partir de los años 60, las películas de Keaton comenzaron a ser más aclamadas por la crítica y, allá donde iba, recibía una grandiosa ovación por parte del público. Su última aparición tuvo lugar en la película rodada en Canadá: "The Scribe", en el año 1965; unos meses más tarde, iniciado ya el año 1966, Buster Keaton fallecía por cáncer de pulmón.

Sin duda alguna, un genio de la comedia que, en una de sus entrevistas en los años 60, dijo: "Si te vistes tan ridículo como yo, no puedes ser un genio".

Entrega del Oscar honorífico a Buster Keaton en la 32 edición
de los Premios de la Academia (1960)

Desnudos: GOD WHAT HAVE I DONE?

Con poca ropa y mucho arrepentimiento.

Aterrizo en un punto de controversia donde el cine no es lo más importante. Y sí, habéis leído bien, DESNUDOS; porque... tiran más dos tetas que una película con buen argumento.

Hablamos de actrices que no dudan en enseñar íntegramente su palmito y luego se sientan en una esquina a llorar pensando que medio mundo les ha visto sus más íntimos atributos, el resultado de que "fama" y "dinero" pueden llegar a ser muy malas combinaciones.

Uno de los ejemplos más destacados es el semi-desnudo que realizó Natalie Portman para el cortometraje de Wes Anderson "Hotel Chevalier", considerado como un preludio de la película "Viaje a Dajeerling". La actriz declaró que en el momento en el que aceptó el papel estaba muy segura de hacerlo; sin embargo, cuando se enteró de que "Hotel Chevalier" estaba siendo uno de los vídeos más descargados de internet no le hizo especial gracia, llegando a decir que se arrepentía de haber tomado tal decisión.

Uno de los ejemplos más (por así decirlo) controvertidos, es el desnudo que llevó a cabo Kate Winslet en la película que le dio la fama: Titanic. Según sus propias declaraciones, la actriz se arrepiente de haber interpretado uno de los desnudos más recordados del cine ya que, según ella, hasta el día de hoy aún la siguen "persiguiendo" por ello. Kate ha afirmado que nunca más rodará escenas con desnudos (a pesar de no ser el único que ha protagonizado) y advierte que no firma fotografías de dicha escena ni copias del famoso retrato.

Otra actriz arrepentida o, más bien "avergonzada" es Penélope Cruz por su papel en "Jamón Jamón". Según ella, la escena del desnudo le provocó tal rechazo y vergüenza que no volvió a rodar escenas de amor hasta varios años después. Sin embargo, agradece la oportunidad de Bigas Luna y no se arrepiente de haber interpretado una película que, básicamente, le dio fama y un futuro marido.

Otro ejemplo bastante impactante es el pasado oscuro de Cameron Díaz, la cual, antes de saltar a la fama, realizó unas cuantas películas eróticas de bajo presupuesto. Cameron hizo todo lo posible para que una de esas películas (de título "She's No Angel") no se expandiera demasiado; sin embargo nadie puede evitar el tráfico de datos de internet, ni si quiera una de las actrices mejor pagadas del mundo.

Sin embargo, hay actores y actrices que no sólo no se sienten arrepentidos, sino que están perfectamente orgullosos de haber realizado escenas de desnudos; seasé Angelina Jolie, Nicole Kidman, Ewan McGregor, Daniel Craig e incluso Daniel Radcliffe para un teatro londinense (entre muchísimos otros). Esto ya... a gusto de cada uno.

Cinco películas que JAMÁS recomendaría

Y no, no estoy hablando de películas que han pasado desapercibidas; todo lo contrario.

Estoy hablando de películas con gran influencia en la industria del cine, aclamadas por la crítica y ganadoras de premios importantes (la mayoría presente en Los Oscars).

Sin embargo, cada cual tiene sus gustos y referencias y, aunque yo soy muy fan del cine independiente también tengo mis límites. Mucha gente me abucheará por esto, pero ante todo decir que el hecho de que jamás las recomendaría no significa, a mi parecer, que sean necesariamente malas (menos una de ellas, que es mala de narices), al contrario. Las cinco películas que voy a citar a continuación tienen sus puntos fuertes (por algo serán tan aclamadas) pero, y aun así, sus puntos débiles me han parecido tan estrepitosos que no puedo recordarlas con buenos ojos.

Creo que el hecho de facilitar una justificación arrojará un poco de luz a este asunto, así que aquí van:


Tan fuerte, tan cerca

En primer lugar me he decidido por este DRA-MÓN (con todas sus letras) dirigido por Stephen Daldry, el director de la película de Billy Elliot. Para los que no lo sepáis, este film es del año 2011 y estuvo nominado a dos premios Oscars (MEJOR PELÍCULA y actor secundario); ganó un premio (de las cuatro nominaciones que tenía en total) al mejor intérprete joven en los Critics Choice Awards y gracias a Dios se quedó fuera de competición en el Festival de Berlín.

Para mí de las cinco películas ésta es, sin duda, la peor; más que nada porque me resulta casi imposible decir algo bueno de ella. ¿El por qué ha sido tan aclamada? Puro sentimentalismo americano.

La película trata sobre un niño (Thomas Horn) que, tras perder a su padre (Tom Hanks) en el atentado del 11-S, encuentra una misteriosa llave que le lleva a la búsqueda de su correspondiente cerradura. Sinceramente, una de las películas más ñoñas, falsas, estrafalarias y facilonas que he visto a lo largo de mi vida. Mientras la veía, no podía evitar oír de fondo un grito que decía "NOMÍNAME A LOS OOOOSCARS, SOY UN NIÑO QUE HA PERDIDO A SU PADRE EN EL 11-S". Esto, señores y señoras, me parece una parafernalia muy descarada que provoca un sentimentalismo demasiado forzado, convirtiendo un hecho real tan serio en un puro espectáculo de lágrimas fáciles.

Me dejó, así os lo digo, tan fuerte y tan cerca de la rabia. Os dejo el trailer para que os hagáis una idea de lo empalagosa que puede llegar a ser.

Melancolía

En fin, paso de una producción americana a una película danesa dirigida, cómo no, por el polémico Lars von Trier. Personalmente, no tengo nada en contra de este director; es más, hay películas -como por ejemplo "Bailar En La Oscuridad"- que realmente me gustan. Sin embargo, no es una novedad que os diga que von Trier es un poquito "especial", y en esta película, se pasa de especial.

Estrenada en 2011, Melaconlía es una película protagonizada por Kristen Dunst; no sólo ha ganado unos cuantos premios, si no que ha sido nominada en numerosas ocasiones por distintos festivales y premios de cine como los Independent Spirits Awards, los Premios César e incluso los Goya. Galardonada, eso sí, por los Premios de Cine Europeo a MEJOR PELÍCULA, fotografía y diseño de producción y por el Festival de Cannes a mejor actriz principal, en este caso Kristen Dunst.

La película tiene una fotografía y una dirección de arte exquisita y, se podría decir que es una auténtico deleite visual, pero ya está, no aspira a más. Y, no sé vosotros, pero a mí no me ganan con un puñado de imágenes que, a fin de cuentas, no me suscitan ninguna clase de emoción (a parte de una sensación visualmente agradable).

En mi opinión, una película muy lenta y bastante depresiva. El problema es que pretende ser una obra basada en la profundidad y en la emociones y, sin embargo, a mí la historia ni me conmueve ni me suscita ningún tipo de emoción; todo lo contrario, me resulta de lo más superficial, pretendiendo ser algo que no es y dándole al espectador diferentes situaciones que él tiene que deducir. A algunos le parecerá buena por el simple hecho de sentirse identificados o de buscar el razonamiento que más les guste, y a otros (como yo) les parecerá una maraña de irracionalidad y sentimientos que, después de dos horas, ni me han aportado NADA, ni llevan a ningún sitio. Digamos que esto se podría definir como "dale sentido a esta película de la forma que a ti te dé la real gana".

No pongo de qué va la película porque, sinceramente, va de todo y a la vez de nada. 

Blue Valentine

Incomprensiblemente para mí, esta película se ha llevado un montón de criticas positivas y la aceptación por parte de un gran público a pesar de ser cine independiente. Estuvo nominada a los Oscars por la interpretación de Michelle Williams, y estuvo nominada a algunos premios de los Globos de Oro y de los Independent Spirit Awards, entre otros.

Admito que para ser la primera película del director (Derek Cianfrance) la cosa no está mal, pero aun así, y habiendo suscitado un gran acogimiento entre el público, los críticos y los festivales, yo jamás recomendaría esta película; quizás por cabezonería, quizás por llevar la contraria, pero a mí Blue Valentine no me parece una historia de amor digna de contar.

Protagonizada por Ryan Gosling y Michelle Williams, Blue Valentine trata sobre una relación que ha dejado de funcionar. El caso es que esa monotonía y ese desfallecimiento del matrimonio tiene su aquel, pero la cosa no funciona si desde un principio no me demuestran que ese "amor perdido" realmente llegó a existir en algún momento. En fin, para gustos colores; pero personalmente a mí no me pueden producir un sensación de desamor cuando el amor, propiamente dicho, fue prácticamente inexistente. En definitiva, un personaje masculino "enamorado" (y la verdad es que no sé por qué) que es arrastrado hasta la depresión por un personaje femenino más bipolar que una pila.

Los Miserables

Doy paso a una coproducción inglesa-americana conocida ya prácticamente por todos. De las cinco, probablemente sea la película más galardonada de todas con 3 Oscars (mejor actriz de reparto, sonido y maquillaje) de 8 nominaciones, 2 Globos de Oro, 4 Premios BAFTA, 3 Premios por los Satellite Awards y un sin fin más.

En fin, no sé ni por dónde empezar; quizás por el hecho de que no llegué ni a terminar la película. Los Miserables es un musical en toda la regla, y cuando digo musical digo M-U-S-I-C-A-L con todas sus letras, porque de esas dos horas y media que dura, a lo mejor hay un total de 3 minutos de diálogo sin que canten (y esto, entiendo, que durante un ratito mole, pero hacerlo durante casi tres horas te acaba taladrando el cerebro). Y bueno, mientras se encargan de cuidar con sumo detalle aspectos como el sonido, vestuario, etc..., dejan de lado los aspectos audiovisuales muy importantes, con saltos de cámara que no llevan a ningún sitio y por no hablar del mareo que coges a veces por el constante traqueteo de la cámara que no tiene razón de ser (un trípode, una grúa... en fin, no sé, ¿os suena algo de eso, equipo de producción?).

Un ejemplo de la primera escena de la película, libre albedrío audiovisual (a partir del minuto 2:20):

Esta película se ha ganado al público por su elenco de actores y por su "para no ser cantantes lo hacen bien". Pero para oír dos horas y media a personas que no saben cantar... ya está bien la broma. Y bueno, en mi opinión, la escena que le dio el Oscar a Anne Hathaway es demasiado forzada; sinceramente no veo a una persona sufriendo, si no a una actriz luchando por el papel de su vida. Pero bueno, cada cual... En fin, si quieres dormirte puedes ponértela de fondo.




Ciudadano Kane

Y llego a la que probablemente cause más controversia, la película de Orson Welles considerada durante muchos años como la mejor obra que ha dado el cine a lo largo de la historia (hace un par de años Hitchcock le quitó el puesto con "Vértigo").

La verdad es que no puedo decir muchas cosas malas de Ciudadano Kane; y entonces, ¿por qué está en la lista? Muy sencillo, simplemente y a nivel personal ni me gusta la película, ni me gusta Orson Welles. Sin duda es una película que ha consolidado el cine tanto a nivel técnico como a nivel artístico, provocando una marea de cine de autor que hoy en día está muy presente en los directores actuales. En los años 40, Welles consiguió generar un estilo propio ayudado, eso sí, por una gran belleza audiovisual a la que difícilmente se le pueda sacar alguna pega. Sin embargo y, a pesar de ello, siento decir que las historias que cuenta Orson Welles personalmente no me gustan (esto me duele más que a vosotros, pero es así). ¿Buena película? Sí. ¿Me gusta? No. ¿Contradictorio? Puede ser, pero no todo es blanco o negro.

Sin duda fue un maldito genio, pero desgraciadamente no comparto su punto de vista y, por tanto, aun siendo un hito del cine, creo que nunca recomendaría Ciudadano Kane.

Así que sabiendo esto, os lo dejo a vuestra elección.




En fin, hasta aquí llego. Tened en cuenta que esto es sólo una opinión personal, nada del otro mundo. Si os gusta alguna de estas películas, touché y admiración infinita, porque yo no he podido con ellas.

Localizaciones estrellas de Hollywood: El Edificio Bradbury

¡Volvemos con una nueva localización!

Tras la estrepitosa ilusión que me hizo hacer la entrada del Quality Cafe, llego con el Bradbury Building, un edificio situado en el centro de Los Ángeles que ha sido bastante concurrido por las producciones norteamericanas.

El edificio (situado concretamente en el 304 S Broadway) es un lugar histórico que fue construido en 1893 por una minería aurífera. Posteriormente, y en la década de los 40, el edificio Bradbury comenzó a utilizarse para producciones cinematográficas y vídeos musicales. Hoy en día el edificio contempla oficinas de todo tipo y, al estar considerado como una construcción histórica y cultural, puede obtenerse un permiso para filmar en él.

Normalmente se suelen rodar escenas de persecuciones o peleas; en otras ocasiones el edificio sirve como el lugar donde se encuentran las oficinas o los apartamentos de algunos personajes (situados dentro del mismo edificio).
Sin duda alguna, es uno de los sitios más característicos y destacados del mundo del cine, por lo que es bastante reconocible debido a su estructura interior. ¡Una belleza del siglo XIX que ni yo ni el cine hemos podido dejar atrás!

Sin más dilaciones, empezamos con los ejemplos más significativos ordenados cronológicamente y, claro está, con su respectivas imágenes; la cosa ha estado difícil, así que no me peguéis si algunas imágenes no se ven muy bien (o más bien mal). Aquí están:


1. Infierno en la Tierra (1942)
En inglés "China Girl"; es un drama basado en la II Guerra Mundial y que, orgullosamente, estrenó el Edificio Bradbury como una localización de cine. En ella podemos ver cómo el protagonista sube esas escaleras tan características y accede a una oficina.

2. Las Rocas Blancas de Dover (1944)
En inglés "The White Cliffs of Dover"; otro drama ambientado en la II Guerra Mundial. Sin embargo, y esta vez, el Bradbury es una especie de hospital destinado a los heridos de guerra.

3. Con las Horas Contadas (1950)
En inglés "D.O.A."; es una película de intriga y cine negro dirigida por Rudolph Maté. Nos encontramos ante la primera escena de persecución, con tiroteo incluido donde el protagonista huye de su posible asesino.

4. M (1951)
Remake de la película de Firtz Lang "M, El Vampiro de Düsseldorf", un thriller basado en los asesinatos de algunos niños por un criminal muy buscado por la policía. El Bradbury Building es la escena de uno de los crímenes.

5. Yo, El Jurado (1953)
En inglés "I, The Jury"; es una película de intriga y cine negro donde nos encontramos otra persecución y una pelea en el interior del edificio.

6. El Hombre Indestructible (1956)
En inglés "Indestructible Man"; es una película de serie B donde se puede ver la escena de un crimen. Un hombre es lanzado desde la planta más alta del edificio Bradbury.

7. Más Allá del Límite (1963)
En inglés "The Outer Limits"; es una serie de televisión de terror y ciencia ficción donde el protagonista, en uno de los capítulos, se ve envuelto en un misterioso caso que tiene lugar en dicho edificio.

8. Marlowe, Detective Muy Privado (1969)
Película policíaca protagonizada por James Garner, el cual acude al Edificio Bradbury en busca de algunas pistas.

9. Chinatown (1974)
Película dirigida por Roman Polanski y protagonizada por Jack Nicholson. Aquí la clásica estructura del edificio no toma protagonismo; sin embargo, la oficina de trabajo del protagonista está situada dentro del Bradbury Building.

10. Blade Runner (1982)
Llegamos al ejemplo más significativo. Dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Harrison Ford, Blade Runner ha sido la película donde se le ha dado más protagonismo al Edificio Bradbury. La escena no tiene desperdicio, no contaré nada para que la veáis ;D

11. A Través del Tiempo (1989)
En inglés "Quantum Leap"; es una serie de televisión de ciencia ficción donde el Edificio Bradbury toma cierto protagonismo en el episodio "Play it again, Seymour".

12. Lobo (1994)
En inglés "Wolf"; una película de terror protagonizada por Jack Nicholson y Michelle Pfeiffer donde se puede ver al protagonista asomado a uno de los balcones que da a su oficina en el Bradbury Building.

13. Homicidio en Primer Grado (1995)
En inglés "Murder in the First"; drama carcelario ambientado en los años 30 y protagonizado por Kevin Bacon. Un protagonista corriendo a toda prisa por los pasillos del Edificio Bradbury.

14. Arma Letal 4 (1998)
En inglés "Lethal Weapon 4"; en la cuarta entrega de la saga se decidió escoger esta localización para que nuestros dos protagonistas (Mel Gibson y Danny Glover) la frecuentaran por motivos de trabajo.

15. Criando Malvas (2007)
En inglés "Pushing Daisies"; es una serie de televisión fantástica protagonizada por dos personajes cuyos apartamentos se encuentran el uno junto al otro en el Edificio Bradbury.

16. (500) Días Juntos (2009)
En inglés "(500) Days of Summer"; película de Marc Webb protagonizada por Joseph Gordon-Levitt y Zoey Deschanel que ya vimos en la lista del Quality Café. Sin embargo no quería ser menos, así que también optó por el Bradbury Building para otra de sus escenas; en ella nuestro protagonista queda con otra chica para hablar.

17. FlashForward (2009)
Una pequeña serie de televisión de ciencia ficción que tuvimos la oportunidad de seguir hace unos cuantos años. En un de los episodios de su única temporada, podemos ver una escena de persecución y tiroteos a lo largo del interior del edificio.

18. CSI: Nueva York (2010)
Serie de televisión que, como ya sabemos, tiene temporadas para dar y regalar y, si visteis la entrada del Quality Cafe, ya os vendrá sonando. Sin embargo, en la temporada número 6 (concretamente en el capítulo número 22), nos encontramos con un episodio que, nada más empezar, nos muestra una escena de persecución entre el protagonista de la serie y un criminal que, finalmente, acaba de manera desastrosa, precipitando incluso al protagonista por uno de los balcones. (Se supone que es CSI NUEVA YORK, no CSI LOS ÁNGELES, me siento estafada.)

19. The Artist (2011)
Y por último, llegamos a la película más culminante de todas, la ganadora a mejor película en Los Oscars 2012. Sin duda alguna, una de las escenas más emotivas y brillantes que se han llevado a cabo en el Edificio Bradbury. A mi parecer, la mejor de todas.

En fin, hasta aquí llego; aunque sigo con la recopilación de localizaciones estrellas de Hollywood, pero todo a su tiempo. ¡Espero que os haya gustado!